26 de diciembre de 2012

Basura and TV Podcast 1x05: Series Guadiana

Feliz Navidad! Llega en forma de suculento regalo el quinto programa del Podcast de Basura and TV, el segundo especial con lo mejor del año. Esta vez dejamos las series de estreno y nos metemos con las series veteranas. Como en el anterior programa empezamos con el Top resultante de vuestros votos y terminamos con nuestras cinco favoritas, que seguro que no son vuestras cinco favoritas. Todo ello con espíritu navideño, recomendaciones que salen de la nada y mucho caos. Como nos gusta.

Intro
Top 5 de la audiencia (3:30)
Top 5 de Basura and TV Podcast (24:00)
Menciones de honor (48:30)


18 de diciembre de 2012

Basura and TV Podcast 1x04: ¿Qué hay de nuevo viejo?

¡Otro programa de Basura and TV Podcast! Esta vez, anticipando la llegada del fin de año os traemos la primera parte de lo mejor del año, empezando con las series de estreno de este 2012. Primero comentamos las cinco series favoritas resultantes de los votos que nos hicisteis llegar por Twitter y mail, ¡muchas gracias!, para después meternos al turrón con nuestras cinco elegidas. Así que si queréis saber cuales son las afortunadas darle al play, que no nos gustaría a nosotros spoilearos la cosa.

Intro
Top 5 de la audiencia (4:20)
Top 5 de Basura and TV Podcast (33:00)
Menciones de honor (60:00)

12 de diciembre de 2012

Los Tops de Basura and TV: The Midnight Beast

Como comentabamos ayer en nuestro bonito y flamante podcast, una de las mejores series salidas del Reino Unido este año fue The Midnight Beast. Para los que no estén familiarizados con la música del mejor grupo de hip hop falso del sudoeste de Londres, he aquí un Top 5 de sus mejores canciones.




1. "Tik Tok", feat. St£fan: aquí empezó todo, tres amigos grabando una parodia de la popular canción de Ke$ha. Es increíble que partiendo de algo tan simple y común es estos tiempos (busca el título de cualquier canción popular más la palabra parody en YouTube y seguro que encuentras por lo menos una versión) hayan conseguido tanta popularidad y, finalmente, una serie de televisión. Es curioso también como de esta canción salieron ideas para otras posteriores.

11 de diciembre de 2012

Basura and TV Podcast 1x03: Quién ríe el último ríe peor

¡Tercer podcast! ¡En tres semanas consecutivas! Esta semana improvisamos una charle sobre comedia inglesa recomendado. o no, una serie de segundo año, Fresh Meat, y tres estrenos: Bad Education, Moone Boy y The Midnight Beast.

Y, otra semana más, Mauro nos cuenta lo que realmente debes saber para ser un buen basurista:

Intro
Presentación
Actualidad (2:00)
Fresh Meat (12:00)
Bad Education (26:30)
Moone Boy (34:00)
The Midnight Beast (43:00)


La música que escuchas es:
Openning: Anamanaguchi - Airbrushed.
Introducción: Michael Haggins - Daybreak.
Durante The Midnight Beast: The Midnight Beast - Begging.

5 de diciembre de 2012

Los Tops de Basura and TV: Odio a David Simon


Se ha escrito mucho a lo largo de los años acerca de la figura de David Simon. Unos mantienen que es un amargado pretencioso, mientras que otros lo consideran uno de los grandes genios de la televisión moderna. Pero si en algo nos podemos poner de acuerdo todos después de ver el final de la tercera temporada de Treme es en que David Simon es un cabrón con todas las letras. He aquí las 5 razones principales por las que lo odio.
  1. Treme tiene la hermosa particularidad de que contiene una media de seis actuaciones musicales integradas en cada episodio. Si bien no siempre son relevantes para la historia, siempre sirven de transición entre escenas. Aquí es donde al Señor Simon le gusta hacer de las suyas: nunca muestra mas de treinta segundos de estas actuaciones, las decapita mientras se ríe de forma diabólica en la mesa de edición. Y lo peor de todo es que el material tiene que estar grabado, dudo mucho que contraten a los mejores músicos de jazz del mundo y solo les hagan tocar un trocito de una canción. Entiendo que no ponga las canciones enteras en los episodios emitidos en televisión, si fuese así durarían 1 hora y 20 minutos cada uno y la serie sería todavía más minoritaria, pero todo ese material sería perfecto para los extras del DVD (y sería un documento DE LUJO del jazz de Nueva Orleans clásico y moderno). Esto es lo que me gustaría ver de TODAS las canciones que suenan en la serie.


  2. Muchas series de televisión crearon grupos musicales falsos (quién no recuerda a los míticos Santa Justa Klan), pero Treme es la única serie que crea grupos que podrían y deberían existir de verdad. Por supuesto estoy hablando de DJ Davis and the Brassy Knoll, Antoine Batiste and his Soul Apostles y Annie T and the Bayou Cadillac [1]. No pido un disco y gira por el mundo, pero una canción en la banda sonora no te cuesta nada, amigo David [2]. 

  3. ¿Quién no pensó nunca que dos personajes de una serie que nunca o raras veces interactúan entre si serían geniales juntos? Bien, pues en Treme esto es el pan de todos los días, y el Señor Simon, como el gran cabrón que es, disfruta amagando con estos encuentros y dejándolos muchas veces en un simple saludo. Que Davis y Antoine no tengan más escenas juntos (no estoy seguro de si tienen una) es un crimen y un auténtico desperdicio. Y lo peor de todo es que Simon lo sabe.
  4. Vuelvo a quejarme del montaje de la serie, y aquí los que hayan visto la tercera temporada sabrán a qué escena en particular me refiero. A medida que se acerca el final de temporada, la diferencia entre las historias alegres y las historias tristes llega a ser como la diferencia entre Jose Mourinho y Tito Vilanova. Y así, con su montaje seco y sin transiciones, el Señor Simon te puede hacer reír y disfrutar con un número musical y en un milisegundo pasar a mostrarte el peor momento en la vida de otro personaje, sin que te de tiempo a terminar de reírte ni a digerir lo injusta que es la vida con estos personajes. Y eso me lleva a la razón principal por la que odio a David Simon.
  5. Por ser tan jodidamente fiel a la realidad. Por mostrar un mundo, el mismo que el nuestro, en el que la gente con buenas intenciones siempre lleva las de perder. Ver Treme es un sufrimiento continuo porque sabes que cuando a un personaje la vida le da un respiro, otro está a punto de sufrir injustamente en manos de David Simon y sus secuaces.

Y pese a todo esto, tanto los personajes que habitan Treme como los espectadores siempre encontramos cosas por las que vale la pena seguir viviendo y ser feliz: la música, las raíces, la familia, el amor, la justica... Y por esta razón, a pesar de lo cabrón que es, amo a David Simon.

[1] Este último grupo es el que más cerca está de existir, ya que "The Bayou Cadillac" en el mundo real son The Red Stick Ramblers.



[2] Por si no quedó claro, esta entrada es una exageración. Para ser justo tengo que decir que los discos de la banda sonora de la serie son muy buenos y tienen muchas de las canciones que suenan en los episodios, incluso algunas de los grupos falsos.

[+] Actualización de Álex. Los Tops de Basura and TV: Odio a Eric Overmeyer.

Sí, Mauro odia a David Simon y, como este es un blog de sinergias, esta mitad del Basura and TV se ve obligado a cargar contra la otra mitad de Treme, el Señor Overmeyer. Odio al señor Overmeyer por:
  1. Tratar mal a tu personaje favorito cuando menos te lo esperas.
  2. Hacer creer que ya no va a tratar mal a tu personaje favorito cuando menos te lo esperas.
  3. Tratar peor a tu personaje favorito cuando menos te lo esperas.
  4. Matar a tu personaje favorito cuando menos te lo esperas.
  5. Y, sobre todo, por que en The Wire hacía lo mismo.


4 de diciembre de 2012

Basura and TV Podcast 1X02: Spoilers condicionales

Segundo programa del podcast de Basura and TV, el blog de series que solo la gente guay lee.
En este programa le enseñamos a Fer qué es Treme (serie de HBO creada por David Simon y Eric Overmeyer) e Ilustres Ignorantes (programa de humor de Canal + conducido por Javier Coronas con Pepe Colubi y Javier Cansado). Además Mauro os cuenta un par de cosas que deberíais saber para ser gente cool.

Y aunque os introducimos el concepto del spoiler condicional os contamos de todo sin irnos de la lengua.

Intro
Presentación 
Actualidad (5:30)
Treme (15:30)
Ilustres Ignorantes (46:40)

La música que escuchas es:

Intro de Treme: John Bouté - Treme.
Durante Treme: Rebirth Brass Band - Feel like funkin' it up
Durante Ilustres Ignorantes: Anamanaguchi - Dawn Metropolis.



3 de diciembre de 2012

Treme, punto (y aparte).


Es muy difícil explicar con propiedad y justicia qué es Treme (HBO, 2010 - ...). Tirando de metáfora baloncestista, Treme es una serie de intangibles, que de lejos parece que no va de nada pero al acercarte a ella descubres que va de todo. Su famosa sinopsis "drama sobre Nueva Orleans post huracán Katrina" indica más que su argumento su contexto. La serie de Eric OvermyerDavid Simon se sirve del espíritu de caída y recuperación de la ciudad tras el desastre para desarrollar un puñado de historias de redención, crecimiento y tragedia en torno a un grupo de personajes arquetípicos que, como ya les contamos, representan a distintas celebridades de la cultura de la ciudad como parte de ese compromiso por lo crudamente real que la serie representa.

El final de la tercera temporada constituye un punto y aparte dentro de la serie. Porque aunque no se trata de una series finale es cierto que el próximo año Treme terminará de contar su historia con una tanda de únicamente cinco episodios, lo que ciertamente da la sensación de que los últimos capítulos de esta temporada configuran un epílogo que bien funciona como carpetazo casi final para la serie y sus personajes. Treme sigue a paso firme la estela que ella misma se ha ido dejando y continúa semana tras semana enseñando que la vida no es más que el resultado de miles y miles de batallas diarias que hay que enfrentar y que, muchas veces, vas a perder. Y que por el camino posiblemente puedas perder mucho más de lo que ganes, pero que es el regusto de esas pequeñas victorias lo que al final mueve al mundo y a las personas que habitan en él.

27 de noviembre de 2012

Basura and TV Podcast 1X01: Que alegría, que alboroto, otro podcast piloto

De las cenizas de Agüesome nace el podcast de Basura and TV. Sin la mano ni las enseñanzas de Sunne, al que siempre estaremos agradecidos por contar con nosotros para la que fue la primera piedra de su imperio del podcasting, Mauro, Eldemo y un servidor nos volvemos a reunir, esperamos cada semana, para recomendaros series a cholón y comentar la actualidad televisiva siempre desde nuestro especial punto de vista.

Para este piloto nos estrenamos con dos de nuestras series fetiches, Bob´s Burgers y, aprovechando su aniversario (como si en este blog necesitaramos una escusa para hablar de ella), Doctor Who. Todo sin spoilers, con voces pisándose, calidad de audio regulera y chistes malos por doquier. Que las malas costumbres nunca hay que perderlas.

Intro
Bob´s Burgers (04:20)
Doctor Who (20:00)
Recomedaciones: End of Watch, Holy Motors y Knuckle (38:00).

La música que escuchas es:

Durante Bob´s Burgers: Anamanaguchi - Dawn Metropolis.
Durante Doctor Who: Murray Gold - I Am The Doctor.
Durante las recomendaciones: Anamanaguchi - Airbrushed (RAC Remix).

22 de noviembre de 2012

Los Tops de Basura and TV: Falsas fiestas que son mejores que las verdaderas.

Es el último jueves de noviembre, lo que significa que los norteamericanos están celebrando el Día de Acción de Gracias. Para lo que nos importa a nosotros, eso significa que esta semana la televisión se llenará de episodios especiales sobre el tema, como ya hace con Halloween o Navidad. Por eso, para escapar de ese hartazgo que mejor que recordar las mejores y más estúpidas fiestas inventadas que nos ha dado la televisión.

Verdukian (30 Rock):


Una religión creada por  Frank, Lutz, y Toofer. Los Verdukians creen en el poder curativo de la cerveza y que un hombre puede tener hasta nueve esposas, siempre y cuando dos de ellos sean hombres. También establecen un recipiente de cubos de carne con una foto de Jimmy Connors como decoración y, además, no celebran la Navidad.

18 de noviembre de 2012

50 aniversario de Doctor Who, la cuenta atrás: 1963 -1966



El primer episodio de la serie de ciencia ficción más longeva de la televisión no tuvo casi repercusión alguna, y eso que Doctor Who tiene el honor de ser la primera serie de la televisión británica en tener que grabar su primer episodio a partir de un piloto anterior, practica de la que, allá por los sesenta, la BBC no hacía uso en sus producciones. De todas formas, el hecho de tener que regrabar el primer episodio no fue el motivo por el cual la serie no empezó con todo el buen pie que sus creadores, Sydney Newman, C. E. Webber y Donald Wilson, pudieran imaginar.

Y es que An Unearthly Child fue emitido el 23 de Noviembre de 1963, un día después de que John F. Kennedy fuera tiroteado en Texas. Fue por ello que toda la repercusión del asesinato del presidente de los EE.UU. y la cobertura de aquellos hechos no ayudaron al lanzamiento de la serie, como tampoco ayudó una sucesiones de apagones eléctricos a lo largo de todo el país aquella tarde de sábado. Doctor Who nació gafada y no sería hasta el estreno de su segundo serial cuando la serie comenzara a ganarse la atención del público gracias a la imaginación de Terry Nation, creador de los Daleks, criaturas que maravillaron y aterrorizaron a la audiencia a partes iguales.

Pero la de los Daleks son otra historia que tendrá que ser contada un poco más adelante.

Verity Lambert, primera productora ejecutiva de la serie desde su concepción hasta la tercera temporada, le ofreció el rol del extraterrestre que podía viajar en el tiempo y el espacio al actor William Hartnell, que por entonces contaba con cincuenta y cinco años y que sigue siendo el actor más veterano en encarnar al personaje (y todo parece indicar que mantendrá ese honor por mucho tiempo). Hartnell, actor conocido por entonces sobre todo por su papel de 'Dad' Johnson en la versión cinematográfica de un famoso programa de radio australiano, This Sporting Life, dudó mucho en aceptar el papel que le daría la gloria eterna, sobre todo por el tono infantil-juvenil que presentaba la serie.

Y fue ese tono el que siguió configurando algunas de las decisiones capitales del argumento inical. Se buscaba una serie que fuera didáctica y familiar. Bajo estas necesidades se decidió que la joven compañera de aventuras de el Doctor fuera su nieta, Susan Foreman (Carole Ann Ford), y se introducirían una serie de personajes recurrentes que acompañaran a estos durante sus aventuras para ofrecer un punto de vista más cercano y esclarecedor para el espectador. Es la concepción del termino "companion" y no es casualidad que los primeros no señores del tiempo que alguna vez pisaron la TARDIS fueran dos maestros de escuela, Barbara Wright (Jacqueline Hill) e Ian Chesterton (William Russell), que viajarían junto al Doctor durante las dos primeras temporadas.

Primer mantra del whovian: TARDIS: Time And Relative Dimensions In the Space.

Solo falta un elemento en el a,b,c de Doctor Who. La TARDIS, que como estoy seguro que saben, es esa nave espacial con forma de cabina policial de teléfono que es más grande por dentro que por fuera, viaja por el tiempo y el espacio y nunca funciona como debe. ¿Pero por qué una cabina de teléfono? Pues por la misma razón por la que se suelen tomar la mayoría de las decisiones, porque así no se salían del presupuesto. El diseño en sí fue inspiración del guionista Anthony Coburn, ideólogo también del personaje de Susan Foreman, cuando camino de su oficina se cruzó con una de las famosas cabinas que, por entonces, todavía se podían ver por toda Londres. ¿Y cómo podemos seguir ajustando el presupuesto? Pues haciendo que el sistema de camuflaje de la nave esté dañado y no pueda cambiar de su forma actual. Y así es como de una necesidad nace uno de los símbolos recurrentes de Doctor Who, y con él, además, el anacronismo que con el paso de los años, y la desaparición paulatina de estas cabinas de las calles, se ha ido agravando y constituyéndose como uno de los chistes recurrentes de la serie.


Entre otras muchas cosas, Doctor Who fue una de las series pioneras en el uso de la música electrónica. El ahora tan famoso tema de apertura de la serie fue compuesto por Ron Grainer, entre otros responsable de la música de los créditos de El Prisionero, y mezclado por Delia Derbyshire, miembro de la BBC's Radiophonic Workshop y responsable de los arreglos electrónicos. Y aunque el propio Grainer siempre tuvo la intención de compartir con ella la autoría del tema - en más de una vez comentó a Derbyshire si de verdad él había escrito eso -, el departamento jurídico de la BBC quería que los nombres de los trabajadores de la Workshop permanecieran anónimos así que se encargó de que Grainer apareciera en todos los créditos como único autor de la sintonía que, exceptuando un par de arreglos, permanecería en los créditos de la serie hasta la decimoséptima temporada de la misma.

Pero volvamos al Doctor y a William Hartnell. En sus inicios la figura del Doctor no era todo lo amable que, ahora, se le presupone al personaje. Durante los primeros seriales se nos presentaba a un Doctor rudo, arisco con sus acompañantes y sobreprotector con su nieta. Lógicamente esa personalidad no calaba dentro de la audiencia familiar a la que la serie estaba dirigida, por lo que el carácter del personaje se fue dulcificando poco a poco hasta mutar en la figura reconocible que actualmente se tiene de él. Además el personaje presentaba una dicotomía que a la larga resultaría, ante poco, curiosa. El de William Hartnell es el Doctor más joven hasta la fecha pero el presentado con un físico más envejecido. Inseparable de su bastón, el Primer Doctor es frágil a primera vista, olvidadizo y dependiente de su desarrollado intelecto.

Si el personaje del Doctor es clave en la construcción del éxito y mito de Doctor Who, no lo son menos las figuras de los más antiguos y famosos de entre sus archienemigos, los Daleks. Desde su primera aparición en el segundo serial de la serie, The Daleks, esta raza de mutantes alienígenas manipulados genéticamente se convirtieron en un éxito entre el público de la serie, siendo su explotación comercial el primer éxito mayúsculo de marketing de la BBC. Y es que de nuevo, y como se cansarán de leer durante todo lo que dé de sí estos artículos, el adjetivo pionero está más que bien utilizado a la hora de referirse a la serie.

Los Daleks fueron creados por el guionista Terry Nation (responsable de otros dos clásicos de la ciencia ficción made in BBC como Survivors y Blake's 7), pero diseñados por Raymond Cusick (que aceptó el proyecto después de que Ridley Scott, diseñador por entonces de la BBC, abandonara la tarea por la incapacidad de presentar un boceto convincente). En un principio, ya que su origen sería revisado por el propio Nation varias veces durante los siguientes años de la serie, los Daleks se presentan como descendientes de los Dals, de los cuales mutaron debido a la guerra nuclear de estos contra los Thal. Y en un caso similar como el acontencido con la autoría del tema principal de la serie la BBC no se le reconoció a Cusick derechos de autor ninguno sobre los Daleks, acaparando Nation los títulos de créditos y royalties. No sería hasta muchos años más tarde cuando la cadena le concedería a Cusick, del que es justo decir que nunca tuvo queja económica ninguna sobre la situación y solo reclamaba ser reconocido como diseñador, una paga especial  por su trabajo.


Y es que tal fue el éxito de los Daleks que a mediados de la década de los sesenta se produjeron dos películas fuera del canon de la serie con ellos de principal reclamo y con Peter Cushing en el papel del DoctorDr. Who and the Daleks (1965) y Daleks – Invasion Earth: 2150 A.D (1966). La mayor singularidad de estos dos largometrajes, y la razón por la que antes comentaba que se encuentran fuera del canon de la serie, es que el personaje del Doctor (que en esta ocasión sí es un doctor autentico y que se apellida Who) no es un extraterrestre si no un ser humano que ha sido capaz de construir una máquina del tiempo que es -venga, de carrerilla - másgrandeenelinteriorqueenelexterior.

La serie comenzaba a tener grandes audiencias, medias de doce millones de espectadores, los Daleks son ya un icono a la altura del propio Doctor y sus apariciones se multiplican. Entonces, ¿por qué se decide cambiar al actor principal de una serie de éxito?

Hay que tener en cuenta varios aspectos. Hay al menos tres frentes abiertos que acaban degenerando en la destitución de William Hartnell como actor responsable de dar vida al Doctor. Al termino de la segunda temporada de la serie Verity Lambert abandona el cargo de productora de la serie a favor de John Wiles, y Donald Tosh toma el cargo de guionista principal (Head of Serials). Ambos nunca consiguieron tener una buena relación profesional con Hartnell debido a la cada vez menor capacidad del actor para recordar sus frases (más tarde se descubriría que sería a causa de la enfermedad que le acabaría matando, una arteriosclerosis), pero sobre todo por el antisemitismo del actor, que le trajo también varios problemas con su compañera de reparto Carole Ann Ford.

Y si no hubiera sido por el sustituto de ToshGerald Savory, el cambio de actor se hubiera producido mucho antes de lo que se produjo y de forma muy distinta a como se hizo, habiendo así cambiado la historia de la serie por completo. El plan de Wiles consistía en hacer desaparecer al Doctor en el serial The Celestial Toymaker y que ha su vuelta fuera interpretado por otro actor. Afortunadamente Savory se negó rotundamente a ello así como a varios cambios que el productor quería introducir, como un lenguaje más vulgar y no tan académico, algo muy mal visto por la BBC en aquella época. Fuera como fuese, la salud de Hartnell no daba para más, y el remplazo de Wiles y Savory por Innes Lloyd y Shaun Sutton respectivamente favoreció el cambio de ciclo.

Así fue como en los últimos segundos del último episodio de The Tenth PlanetWilliam  Hartnell decía adiós a la serie y el Doctor se regeneró por primera vez. En The Tenth Planet se introdujo a los Cyberman, una raza de cyborgs humanoides provenientes del planeta gemelo de la Tierra, Mondas, que millones de años atrás se había separado de la órbita del Sol. Creados por  el Doctor Kit Pedler, consejero científico de la serie, y el guionista Gerry Davis, los Cyberman se convirtieron en los segundos villanos más recurrentes de Doctor Who, ganando mucho protagonismo en la etapa de Patrick Troughton.

Pero antes de entrar de lleno en la segunda etapa de Doctor Who, en Patrick Troughton y en los Cyberman es momento de hablar sobre los episodios perdidos de la serie. En total existen 27 seriales de los dos primeros Doctores repartidos en 108 episodios que fueron destruidos de la base de datos de la BBC para ahorrar espacio y dinero. Pero un total de 39 episodios de esos 108 pudieron en parte ser reconstruidos gracias a diferentes contribuciones. Entre grabaciones caseras, audios, imágenes de rodajes y emisiones tardías en otros países se comenzó un trabajo de reconstrucción por parte de los fans de la serie y el apoyo de la BBC con el fin de recuperar el legado. Lamentablemente la época más perjudicada por este suceso fue la del Doctor de Troughton de la que se perdió originalmente 15 seriales y 65 episodios, incluidos los correspondientes al serial The Power of the Daleks, la primera aventura del Segundo Doctor.

[+] Mucho más material sobre el Primer Doctor en Classic Doctor Who Files y en su Tumblr, Doctor Who Files.

13 de noviembre de 2012

Red Dwarf X


Varios son los factores que acaban determinando que cierto producto cultural, en el caso que nos os ocupa una serie de televisión británica, sea considerado de culto. El género, el argumento, las circunstancias o la intrahistoria de una producción son los elementos claves que se pueden dar en conjunto o aisladamente para que una serie se gane ese estatus. Pero volviendo al tema que nos ocupa, en el caso de Red Dwarf (BBC-Dave, 1988-...) parecen confluir en uno solo todos esos elementos que comentaba dando como resultado una serie única, una rara avis que mezcla géneros con la misma facilidad que los deconstruye y que durante más de veinte años ha tenido que luchar contra todos los problemas conocidos y habidos y que, en pleno 2012, se encuentra emitiendo una décima temporada redentora que parece planeada para recordar a propios y extraños porque todavía sigue viva.

Pero empecemos por el principio.

Red Dwarf, o Enano Rojo [1] como se conoce en España gracias a las emisiones autonómicas noventeras, proviene de las brillantes mentes de Rob Grant y Doug Nailor, dos curtidísimos guionistas cómicos cuya sociedad se extiende varios años atrás de la creación y concepción de la serie. Concepción que data de la época del programa humorístico radiofónico que ambos escribían para BBC 4, Son of Cliché (1983-1984) en el cual encontramos el germen de la serie, Dave Hollins: Space Cadet. Esta serie de sketches [2], concebidos primeramente para aparecer una sola vez pero finalmente alargado a cinco emisiones totales, cuenta las aventuras del único supervivente de una nave espacial, Dave Hollins (Nick Wilton) y el ordenador de a bordo Hab (Chris Barrie). Tras el éxito cosechado y después de seguir fogueándose en televisión y ganarse una buena reputación al tomar la rienda del clásico programa de sátira política, y padre de todos los programas modernos de guiñoles, Spitting Image (ITV, 1984-1996), en 1988 bajo el auspicio de la BBC y su propia productora, Grant Naylor, se estrena Red Dwarf.

La historia la habrán leído mil veces, pero aquí va la mil y una. Recogiendo la idea original de Dave Hollins, y agrandándola, Red Dwarf cuenta la historia de Dave Lister (Craig Charles), único superviviente de la catástrofe nuclear que asoló a la nave minera dónde trabajaba como técnico de tercera categoría al ser puesto en hibernación durante tres millones de años por la computadora de la nave, Holly (Norman Lovett/Hattie Hayridg), que decide traer de vuelta a la vida en forma de holograma al insoportable compañero de litera de Lister, Arnold Rimmer (Chris Barrie de nuevo). El cuarteto inicial lo completa Cat (Danny John-Jules) un gato antropomórfico de una raza evolucionada de la gata del propio Lister cuya civilización nació y murió dentro de la bodega de la nave. Más tarde se unirían a ellos Kritten (Robert Llewellyn/David Ross), un robot mayordomo programado para servir a toda costa y Kristine Kochanski (Clare Grogan/Chloë Annett), el interés amoroso de Lister durante toda la serie.

Pero lo realmente interesante de Red Dwarf es como a partir del concepto de partida y un puñado de personajes consiguió desde el principio diferenciarse de cualquier serie coetánea. La premisa era sencilla, unir la comedia británica más clásica con un ambiente de ciencia ficción apoyada en un puñado de personajes de personalidades muy marcadas y opuestas. Así pues, en un solo episodio se mezclaba la comedia sarcástica y satírica de enredos con los grandes temas de la ciencia ficción. Con el paso del tiempo, y presupuesto, la importancia de la ciencia ficción fue tomando un nivel cada vez más importante y más cuando Rob Grant abandonó la serie "por motivos creativos" después de la sexta temporada. Una sexta temporada que significó, posiblemente, el salto de tiburón de la serie y el principio de la decadencia de la misma. Para empezar, tres años tuvieron que hacer falta para que Red Dwarf volviera en una séptima temporada debido a la ruptura profesional de Grant y Naylor, los compromisos profesionales de los actores y, sobre todo, los problemas legales de la estrella Craig Charles, que estuvo en prisión durante unos meses debido a unos cargos de violación de los que al final salió absuelto. Además, para esa temporada se decidió prescindir de otra de las principales características de producción de la serie. Por primera vez en once años se eliminó la grabación con público en directo y se recurrió a añadir las pistas de risas en post producción, decisión que sería revocada para su octava y, hasta hace tres años, última temporada.


Después de que en 1999 la BBC decidiera no renovar la serie y tras los fallidos intentos de Naylor de ofrecer un canto de cisne a la franquicia con una película parecía que Red Dwarf estaba acabada. Y así era hasta que en abril de 2009 la serie volviera en un especial de tres episodios llamado para la ocasión Back to Earth y emitido por primera vez fuera de la BBC, en el joven canal Dave. Back to Earth, sin embargo, resultó ser toda una decepción [3]. La miniserie, en pos de lucir un look más cercano a la producción cinematográfica, rehusó de nuevo del público en directo además de decidir no incluir ningún tipo de pista de risas para llenar unos, a la postre, incómodos huecos. Todo ello sumado a un exceso del uso del croma y unos diálogos e historia que seguían con esa tendencia de diferenciarse de la comedia más representativa hicieron de esta novena temporada un nuevo alejamiento de los estándares clásicos de la serie. Parecía que sin Grant a Naylor se le iba de las manos la serie y por ello el anuncio de la vuelta en 2012 no parecía nada esperanzador.

Pero afortunadamente, y para sorpresa de la mayoría, la décima temporada de Red Dwarf ha supuesto una vuelta a los orígenes muy reconfortante con momentos de gran lucidez representados en el que es el mejor episodio de esta nueva tanda, Entangled (10.04). Naylor ha sabido recuperar el encanto de la serie tomando decisiones muy acertadas. La primera, vuelta al estudio, al público en directo, al formato de seis episodios y a la grabación multi cámara característica de la sitcom. La segunda, y diría que más importante, vuelta a la sencillez, que no simplicidad, de las primeras temporadas en las que la fuerza de la serie provenía más de la comedia y la química entre los personajes/actores que de los cada vez más pretenciosos argumentos. Y así es como gracias a la búsqueda de ese equilibrio entre las diferentes etapas de la serie Red Dwarf parece estar más viva que nunca habiendo sido, con diferencia, el programa original más visto en la historia de Dave, record de descargas en iTunes y teniendo muchas y reales posibilidades de volver para una onceava temporada.


[1] En realidad la traducción exacta debería ser Enana Roja, pero por eso de que el genero en inglés es neutro a alguien se le debió pasar que en la lengua de Cervantes las estrellas son femeninas. 

[2] Uno de los cuales podéis escuchar desde YouTube.

[3] Back to Earth es a Red Dwarf lo que la película para televisión noventera con Paul McGann a Doctor Who, una pesadilla que muchos quisiéramos quitarnos de la mente.

4 de noviembre de 2012

Star Wars versión doméstica

Es una de las noticias de la semana. Disney ha comprado LucasArts por cuato mil millones de dólares y nada más saberse la noticia se anunció que ya se prepara un nueva trilogía de la joya de la corona de la compañía, Star Wars, por lo que habrá que esperar otro boom de merchandasing galáctico así como una constante explotación de una franquicia que lleva ya cuarenta y cinco años sin cerrar el grifo de los beneficios.

Y es que el llamado "universo expandido" de la saga es tan prolífico como rentable y abarca todo el espectro cultural. A los libros, cómics, videojuegos hay que sumarle una buena cantidad de spin-offs y especiales para televisión que no pasan de ser, salvo honrosas excepciones, productos de segunda categoría y que a continuación vamos a pasar a recopilar en un ejercicio de responsabilidad pública sin precedentes. O no.

Comencemos, por estricto orden cronológico, por el más infame producto de la saga y, a la vez, el más cariñosamente recordado de todos aunque solo sea por el fracaso estrepitoso de la premisa, el Star Wars Holiday Special (CBS, 1978). Para que se hagan una idea del despropósito que tenemos entre manos esta primera incursión de Star Wars en la  televisión es uno de los pocos movimientos creativos y comerciales de los que George Lucas se arrepiente en público [1]. Tal es la leyenda negra de este pseudo programa de variedades que únicamente se emitió enteramente el día de su estreno y nunca más se produjo una reposición. Con la escusa argumental de poder llevar a tiempo a Chewbacca a su planeta natal para poder reunirse con su familia a tiempo para celebrar las fiestas y la participación del cast original de la película se intercalan una serie de gags sin gracia, números musicales fallidos y decenas de escenas perturbadoras que pueden ver en esta lista de reproducción bajo su propia responsabilidad.

Con la finalización de la trilogía original y la confirmación de la saga como un fenómeno cultural, publicitario y económico internacional se produjeron dos telefilms que se emitirían en años consecutivos en ABC protagonizados por los ewoks, los Jar Jar Binks de los ochenta. Caravan of Courage: An Ewok Adventure en 1984 y su secuela The Battle for Endor un año después se alejaban del concepto de ciencia ficción y abrazaban la aventura y fantasía para toda la familia. El éxito en ambas cintas tanto en el mercado VHS como en Europa, donde fueron estrenadas en cine en la mayoría de países, hizo que en el mismo 1985 la cadena siguiera explotando la fama de los ewoks con una serie de animación que duraría dos temporadas y que se emitiría junto a Droids, otra serie de animación precuela del Episodio IV, que en este caso seguía las aventuras de C3PO y R2-D2 en su incesante lucha de huir de todos los dueños a los que habían sido asignados. Al contrario que Ewoks, Droids solo contó con una temporada que fue repuesta un año más tarde para seguir emitiéndose en programa doble junto a la serie de los irritantes peluches.

Dieciocho años hubo que esperar para ver otra serie de la saga en televisión. Y en este caso se pude decir que la espera mereció la pena. Clone Wars (Cartoon Network, 2003-2005) fue una microserie animada concebida para llenar el hueco entre los episodios II y III de la trilogía moderna. Pero nunca un relleno tuvo tanta enjundia e importancia como tuvo este. Con el maestro de la animación Genndy Tartakovsky al mando de la misma y una duración por clip que no rebasaba en ningún momento los quince minutos, Clone Wars [2] resultó ser un juguete en manos de Tartakovsky, que no dudó en utilizar la serie para seguir desarrollando el maravilloso libro de estilo con el que ya había maravillado con su anterior serie, Samurai Jack (Cartoon Network, 2011-2004). Con una historia y diálogos casi nulos toda la acción se centra en diferentes y espectaculares batallas desarrolladas y coreografiadas con un pulso nunca visto en la saga. Clone Wars es, por méritos propios, no solo el mejor producto televisivo basado en el universo Star Wars, si no el único que se se salva de la mediocridad general de la trilogía moderna de la franquicia. Por lo que nunca, nunca, deben confundirla con la que es, por ahora, la última serie de la saga que se está emitiendo, The Clone Wars.


The Clone Wars (Cartoon Network, 2008-...) nace al amparo de la película de animación generada por ordenador estrenada el mismo año que su debut en televisión. Al contrario que su predecesora cuenta con un formato convencional de episodios de veinte minutos englobados en temporadas, cinco por ahora, de veintidós. Ningún rastro de la serie de Tartakovsky queda en ésta excepto el nombre y el periodo de la historia que narra. Por lo demás nos encontramos ante otro producto tipo de la saga que abraza toda la mediocridad en la que está aparcada la franquicia actualmente y, que tras el anuncio de la compra de Lucas Arts por Disney, posiblemente abandone su franja en Cartoon Network para mudarse a Disney Channel.

El futuro de la saga es incierto como lo es el de sus adaptaciones televisivas pero es de esperar que con la compra de Disney se revitalice algo la producción y calidad de la misma. Por un lado es buena señal la costumbre que Disney ya ha demostrado con la compra de Pixar y Marvel de dar una relativa independencia a estos estudios pero por otra parte a lo mejor lo que necesita la saga es justamente eso, un cambio radical en su marcha creativa. Por lo pronto el proyecto animado de Seth GreenMatt Senreich, las mentes detrás de Robot Chicken (Cartoon Network, 2005,...), ya es una realidad a la espera de estrenarse. Por lo visto en su trailer, Star Wars Detours significará una traslación del humor y la parodia marca de la casa de Robot Chicken - serie que nunca se ha privado de parodiar la creación de Lucas - al universo de Star Wars. 



[1] Que no les extrañe que ahora que es cuatro mil millones más rico a Lucas le de por ir casa por casa, videoteca por videoteca y disco duro por disco duro eliminando totalmente cada copia que se encuentre de este impío especial.

[2] Cuya dos temporadas podéis ver integras en esta lista de reproducción de YouTube.

31 de octubre de 2012

Monstruos, pilotos y cancelaciones


La NBC, ¡esa cadena!, decidió que Mockingbird Lane, el remake de la sesentera sitcom clásica de la CBS The Munsters (CBS, 1964-1966) encabezado por Bryan Fuller no iba a desarrollarse más allá de su piloto. Pero aprovechando que Halloween está a la vuelta de la esquina, y que estaría bien recuperar algo de esos 10 millones de dólares que costó la broma, el pasado viernes 26 se emitió el piloto de marras con unas audiencias decentes - sin una campaña publicitaria fuerte detrás y en el día más flojo de la semana fue la segunda opción de su franja horaria así como un más que decente lead in de Grimm, que subió un 27% respecto a la semana anterior - y, sobre todo, con la sensación de que aunque lejos de ser una maravilla nos encontramos con un producto televisivo satisfactorio que dentro del horrible contexto de estrenos que hemos vivido este otoño merecía al menos la luz verde por parte de la cadena.

The Munsters era una sitcom protagonizada por monstruos pero cuya estructura era la típica de las comedias familiares de la época. En este sentido era más conservadora que su principal competidora [1], The Addams Family (ABC, 1964-1966), que presentaba unos personajes más excéntricos y cuyo humor estaba más basado en el choque de su atípico modo de vida con la convencional manera de ver las cosas del resto del mundo. En esta Mockingbird Lane, sin embargo, desde el principio se aprecia la clara intención de estirar todo lo que se pueda los límites de lo que ahora consideramos como drama para todos los públicos - ahí se nota claramente el toque de Fuller - y explorar la condición monstruosa, unas veces aceptada y otras no tanto, de los personajes. Y es que en lo escasos cuarenta minutos de este piloto se aprecia la intención de evolucionar el concepto original para adaptarlo a los esquemas actuales de los dramas televisivos y dejar atrás la comedia clásica tan representativa de la serie original.

Pero para lo que realmente da de sí todo este asunto es para hacer un poco de arqueología televisiva. Hace muchos años, en el siglo pasado, las cadenas americanas tenían la buena costumbre de estrenar todos esos pilotos que desechaban como TV movies o antologías de episodios durante el verano, lo que era bastante de agradecer porque por esa época no existía YouTube. No como ahora, claro, donde con un poco de investigación se puede acceder a una buena cantidad de pilotos desechados, entre ellos el de The Amazing Screw-On Head, antiguo proyecto de Fuller que trasladaba a la televisión un cómic de Mike Mignola, creador de Hellboy, que tampoco vio la luz.

Y es que el bueno de Bryan no termina de tener mucha suerte en esto de la televisión. Tras licenciarse en el medio con la franquicia de Star Trek - de la que es confeso admirador y en la que participó primero en Espacio Profundo 9 (UPN 1993 - 1999) y, mucho más activamente, en Voyager (UPN, 1995- 2005) - no se puede decir que ninguno de sus otros proyectos hayan tenido un éxito considerable lejos del grupo fiel de admiradores que arrastra. Tras crear y abandonar por "razones creativas" Dead Like Me (Showtime, 2003-2004), serie que no duró más de dos temporadas, se embarcó en la creación y desarrollo de Wonderfalls ( FOX, 2004) cancelada en el cuarto episodio y rescatada hasta los trece gracias al DVD. Fracaso tras fracaso, pasando por una versión para televisión del Carrie de Stephen King y como guionista de Heroes (NBC, 2006-2010), el nuevo proyecto del escritor americano fue la vanguardista, incomprendida y nuevamente cancelada a las dos temporadas Pushing Daisies (ABC, 2007-2009). Y para continuar con su leyenda negra el señor Fuller pensó que que mejor para hacerse un hueco dentro de los creadores de culto malditos de televisión que volviendo a una decrepita Heroes a partir de su tercera temporada.

Su último proyecto, una vez descartada salvo milagro esta Mockingbird Lane, es el de adaptar para NBC, ¡esa cadena!, las novelas originales de Thomas Harris sobre su personaje más famoso, Hannibal Lecter, que al menos ya tiene el beneplácito de la cadena para unos trece primeros episodios esperando la orden de otros trece que completen la temporada. Sin duda aquí estaremos impacientes por ver el resultado del proyecto, a la espera de que esta sea la serie definitiva que le procure a Bryan, que a estas alturas de artículo ya es como de la familia, un trabajo estable dentro de la televisión.

[1] Ambas series se emitieron  durante dos años con una ventaja en el estreno por parte de los Addams de una semana y ambas empezaron a bajar sus audiencias en su segundo y último año. Sin embargo las reposiciones las terminaron en convertir en objetos de culto.

27 de septiembre de 2012

Departamento de Estadísticas Inventadas: Temporada 2012/2013

Es tal el aluvión de estrenos de las cadenas estadounidenses y tan paupérrima la calidad de la mayoría de estos que desde Basura and TV, su blog de confianza siempre a los pies de su señora, hemos decidido que mejor no gastar nuestro preciado tiempo de escritura ni su aún mayor preciado tiempo de lectura y dejar claro, con unos simple gráfico de que estamos hablando para que ustedes mismos saquen sus conclusiones. 



[+] Bonus Track:



24 de septiembre de 2012

La verdadera Treme

Treme ha vuelto a nuestras vidas con el comienzo de la tercera temporada y para celebrarlo vamos a intentar diseccionarla desde un punto de vista diferente. Y es que en ese afán de recrear con total exactitud las vidas y experiencias de Nueva Orleans, la serie no solo basa la mayoría de sus personajes en personalidades de distinto índole cultural de la ciudad si no que, para dotar de mayor realismo el relato, juega a intercambiar la realidad con la ficción consiguiendo que la pequeña línea que separa ambas sea constantemente cruzada con la participación de mucho de esas celebridades en pantalla.

Empecemos con lo más evidente, Antoine Batiste, el díscolo trombonista y pesadilla de todos los taxistas de Nueva Orleans está inspirado en el trompetista Kermit Ruffins que a su vez tiene un papel recurrente en la serie interpretándose a sí mismo. Ruffins es además fundador de la Rebirth Bass Band, los autores del Feel Like Funkin' It Up, la primera canción en sonar en la serie y uno de los himnos oficiosos de esta. Pero la implicación de Ruffins no se queda aquí, porque también hemos podido ver en la serie una de sus famosas barbacoas, que lleva realizando desde 1992 cada jueves junto a otra de sus bandas, la Barbecue Swingers.

Todos los excesos, excentricidades y genialidades de DJ Davis, Steve Zhan, tienen un dueño que, con solo ver la portada de su página web, no es otro que el músico Davis Rogan. Rogan es uno de los consultores para la serie con los que David Simon y  Eric Overmyer contaron desde el principio del proyecto y autor de todas las canciones que DJ Davis crea e interpreta en la serie. Y si por si esto fuera poco, además le habéis podido ver como el pianista de la banda que este crea en la segunda temporada de la serie. Además fue el responsable de enseñar a tocar el piano, Nueva Orleans style, a Michiel Huisman, el actor de origen alemán que interpreta a Sonny que además es también músico.

Si alguna vez visitáis Nueva Orleans y lleváis con vosotros un buen fajo de dólares no dejeis la oportunidad de pasaros por Bayona, el restaurante de cuatro estrellas que Regina Keever y Susan Spicer abrieron en 1990 porque el personaje que interpreta Kim DickensJanette Desautel, y su inseparable cinta de cocina están basados en la chef Spicer.

Seguro que recordáis al pasional personaje que John Goodman interpretaba en la primera temporada, Creighton Bernette. Craig no era más que el alter ego de Ashley Morris, famoso bloguero político de Nueva Orleans, autor e inspirador de los famosos discursos sobre la situación de la ciudad que aún podéis leer en su blog. Morris era también devoto confeso de The Wire y autor de New Package, blog sobre la serie por el que pudo conocer a Simon y servir de ayuda para la concepción de Treme. Lamentablemente Morris se suicidó poco después de que la HBO diera luz verde a la serie, en abril de 2008.

Donald Harrison Jr, saxofonista que ha aparecido en la serie durante nueve episodios es, además, la inspiración para la familia Lambreaux. Como el personaje de Delmond, Rob Brown, es un excepcional músico de jazz arraigado a la cultura de Nueva Orleans que, como lo fue su padre, es Jefe Indio. Así pues fue como Harrison, que al principio solo iba a servir como consultor para el personaje de el Gran Jefe Albert Lambreaux (Clarke Peters) acabó sirviendo como inspiración para desarrollar a ambos personajes.

Pero la cosa no acaba aquí, claro, porque hay infinidad de músicos que una de dos, o se interpretan a sí mismos o a personajes basados en su carrera musical.

Annie, la irresistiblemente adorable violinista y novia de DJ Davies es interpretada por Lucia Micarelli, violinista profesional y colaboradora habitual de Jethro Tull. Su mentor en la serie, Harley, no es ni más ni menos que el músico, productor, actor y escirtor Steve Earl, que ya tuvo un papel en The Wire, y cuya canción This City fue la elegida para los titulos de credito del último episodio de la primera temporada, que fue dedicado a David Mills, periodista, escritor y guionista colaborador de Simon desde los tiempos de The Corner.

John Boutteautor de la sintonía de la serie, apareció en la primera temporada como parte del elaborado plan de Davis para convencer a Janette de quedarse en Nueva Orleans. Pero no es más si no uno de los muchos músicos y bandas que nos han honrado con un cameo en la serie. Agárrense porque la lista es larga: Galactic, Trombone Shorty, Coco Robicheaux, Elvis Costello, Dr. John, Deacon John o la The New Orleans Jazz Vipers entre otros muchos que seguro que se me escapan.

20 de septiembre de 2012

Los Tops de Basura and TV: Cinco locuelos Tumblrs sobre series (III)

Ey, ¿qué tal el verano? Espero que hayan tenido tiempo para relajar la mente porque una vez más, la tercera, aquí venimos con la intención de ofrecerles una buena excusa para mantenerse entretenidos mientras que hacen que estudian, trabajan o escuchan a su cónyuge. Una vez más les traemos cinco locuelos Tumbls sobre el mundo de la televisión que harán que sus horas de procrastinación sean más llevaderas. Comencemos:

Eye on Springfield:



Recopilación de imágenes de las nueve primeras temporadas de Los Simpson, o como prefieren decir los propios autores de este Tumblr "de cuando la serie aún era graciosa". Una retrospectiva concienzuda de la época en la que la serie estaba en la vanguardia del humor. 

19 de septiembre de 2012

Summer of '12

A lo mejor ustedes no se han dado cuenta aún, pero este verano de 2012 será recordado, televisivamente hablando, por todo lo alto. O al menos debería, claro, porque nunca se sabe por donde van a discurrir los deseos de los espectadores. De todas formas, déjenme hacer un rápido repaso de porqué tal afirmación desglosando lo más granado que nos ha dado, y están dando, estos locos meses de calor:

Dios bendiga a la Reina:



Para llevar un orden en pos de que ustedes no se hagan un lío, empecemos por las series que nos vienen desde la Pérfida Albión que, una vez más, superan en calidad, riesgo e innovación al resto de ficción proveniente de Estados Unidos. En estricto orden alfabético, estás son las series que ustedes no deberían perderse:

A Touch of Cloth (Sky): Ojo, que con mucho menos ruido que el que suele generar Charlie Brooker, esta A  Touch of Cloth ya va para serie de culto con solo dos episodios emitidos, que forman una trama cerrada entre ellos, y con la promesa de más casos por venir. Brooker, fogueado guionista cómico, recoge toda la herencia del policíaco inglés y crea una parodia del género basada en lo que podíamos llamar "humor serio" con Aterriza Como Puedas como principal inspiración y una retahíla de chistes, gags y guiños que al más mínimo pestañeo puedes perderte. Y es que este aspecto puede ser el que más se le pueda achacar a la serie, tal torrente de chistes lanzados sin frenos puede llegar a hastiar a más de uno. Al que escribe, afortunadamente, no.

Bad Education (BBC Three): Siguiendo el estilo de la última comedia adolescente británica encabezada, más por fama que por calidad, por The Inbetweeners, nace esta Bad Education, serie sobre un jovencísimo profesor de instituto público y la fauna, estudiantil y docente, que le rodea. El proyecto nace de la mente de su guionista y protagonista, Jack Whitehall, al que no hace mucho podíamos ver, y seguiremos viendo, en Fresh Meat, otra comedia deudora de esta corriente aderezada, además, con ese relato de la adolescencia británica proveniente de Skins. Pero volvamos a lo nuestro, Bad Education, pese al a veces excesivo protagonismo de Whitehall, es otra muestra de la excelente comedia fresca y rápida que exportan los ingleses. 

Blackout (BBC): Cambiamos totalmente de registro para dar con esta Blackout, miniserie policíaca de tres episodios sobre un policía que tras una noche de excesos se encuentra con la posibilidad de haber sido el culpable de un asesinato. El siempre excelente Christopher Eccleston, que no hace poco ya maravilló con un registro muy parecido en la también recomendable The Shadow Line, encabeza una historia de claroscuros, dudas existenciales y caída a los infiernos que no desmerece en ningún momento.

Moone Boy (Sky): Volvemos a la comedia de manos de un titan de esto como lo es Chris O'Dowd, que al igual que Whitehall con Bad Education crea, escribe y protagoniza esta historia de un chaval irlandés de finales de los ochenta y su amigo imaginario. Pero al contrario que Whitehall, O'Dowd sabe perfectamente echarse a un lado y sacar el máximo jugo a un variado y excéntrico grupo de personajes secundarios que pueblan esta historia con muchos toques biográficos y un gran trabajo de producción que recrea la vida pasada del típico pueblo irlandés.

Parade's Ends (BBC Two): No hay diversión sin la consabida gran adaptación de la literatura de época inglesa por parte de la BBC. Esta vez le toca el turno a El Final del Desfile de Ford Madox Ford y el resultado es todo aquel que se puede esperar de estas apuestas por parte de la cadena británica por excelencia. Producción, ambientación y vestuario excelentes, grandes interpretaciones con Benedict Cumberbatch y Rebecca Hall al timón y un cuidado sumo por la adaptación fiel de la obra original. Al igual que en la novela, los saltos temporales y los cambios de puntos de vista son constantes para contar esta historia sobre la Guerra Mundial y las pasiones, mentiras e hipocresía de la clase alta inglesa.

The Hollow Crown (BBC Two): No hay diversión sin la consabida gran adaptación de la literatura clásica inglesa por parte de la BBC. Esta antología de cuatro películas para televisión producida por Sam Mendes adapta la segunda tetralogía de los Reyes de Shakespeare: Ricardo II, las dos partes de Enrique IV y
Enrique V. El resultado es una adaptación densa como el material original con una producción muy cercana al teatro televisado pero apoyado, como no, por unas actuaciones y grandes escenarios naturales que solo podemos envidiar desde aquí.

The Midnight Beast (E4): ¿Qué decir de The Midnight Beast que no hayamos dicho ya? Solo nos queda reafirmarnos en lo dicho y generar, sí se puede, más ruido a la discusión. Para el que escribe, la comedia del año, por lo que representa y por los resultados que ha dado. Estos chicos se merecen todo y más.

Saltemos el charco:



Viajemos pues ahora al nuevo continente, que también ha hecho los deberes, pero con algo más de desgana. Menos mal que siempre nos queda Canadá, que ha dado la campanada esta vez.

Bullet in the Face (IFC): O Canada! La refrescante sorpresa del verano nos viene de manos de IFC (¡ya os dijimos que estuvierais atentos a esta gente!) con esta vuelta de tuerca al estilo tarantiniano y a la estética comic (¡hola Sin City!), en la que un antiguo asesino en busca de venganza se pasa al lado de los buenos cuando le meten una bala entre ceja y ceja y vuelve con la cara de un policía que el mismo mató. Si, es todo tan loco como suena y, además, cuenta con dos glorias como Eddie Izzard y Eric Roberts entre sus personajes secundarios. Una gozada para los sentidos.

Copper (BBC America): Curioso lo de esta Copper. Con todo lo prolífica que ha sido la producción inglesa va la BBC America, se lanza a estrenar su primera serie original en Estados Unidos y el resultado se queda en agua de borrajas. Y eso que detrás de ella gente como Tom Fontana, creador de Oz, o el mismo Barry Levinson. Pero todo se queda en una mezcla bastante complaciente que a golpe de gustar a todos al final no acaba gustando a nadie. No es mala serie, desde luego, y respira una atmósfera muy parecida a la de Deadwood, así que por ahora hay que dejarla continuar, porque elementos para ofrecer algo mejor tiene.

Longmire (A&E): Esta Longmire, sin embargo, con menos ruido ha conseguido un resultado más satisfactorio. Adaptacion de las novelas de Craig Johnson, nos encontramos con un policíaco con alma de western, un Justified bucólico y calmado con personajes melancólicos y de grandes principios. No ofrece nada nuevo pero lo que ofrece lo hace con pulso y calidad.  

Political Animals (USA Network): Miniserie que más que un acercamiento a la política americana acaba acercándose a ser más un drama familiar de esos que su creador, Greg Berlanti, nos tiene acostumbrados. Su mayor reclamo es el de una Sigourney Weaver interpretando a una Hillary Clinton wannabe.

Y sí, aunque este ha sido el año del preestreno en Intenet, vamos a dejar todas las novedades de las cadenas americanas para otro extenso artículo que por lo que llevamos visto, me temo, será más largo que este pero no tan entusiasta en cuanto la calidad de su contenido.

18 de septiembre de 2012

Live from New York...


... it´s Saturday Night.

Treinta y ocho años, y treinta y ocho temporadas, han pasado desde que un 11 de Octubre de 1975 se estrenará en la NBC un programa de sketches y variedades salido de las mentes de Lorne Michaels y Dick Ebersol, protagonizado por un grupo de cómicos que harían historia [1] y conducido cada semana por un presentador diferente. El resto es historia, historia que todavía se está escribiendo y que este pasado sábado comenzó una nueva etapa significativa en cuanto a los cambios producidos, unos necesarios, otros intrascendentes y otros, lamentablemente, irreemplazables.

La marcha de Abbey Elliot tras cuatro temporadas, tercera generación de Elliots que pasan por el programa tras su padre (reverencia) Chris Elliot y su abuelo Bob, no se torna dramática ni mucho menos. La buena de Abby, seguramente harta de estar en un segundo plano siempre detrás de Kristen Wiig, inició una búsqueda infructuosa de hacerse un hueco en la parrilla americana con su propia serie y ha acabado teniéndose que conformar con formar parte de la nueva temporada de How I met your Mother.

Pero remontémonos a 2005, año de la entrada de Kristen Wiig y Andy Samberg, los otros dos nombres que han dejado atrás a papá Michaels para seguir con su carrera. De la primera poco que decir que no se haya dicho ya. Durante los últimos años monopolizó prácticamente todo papel femenino del show con su cada vez más exagerado histrionismo y tras el éxito de Bridesmaids era de dominio público que más tarde o más temprano iba a abandonar el show. ¿Consecuencias? Vanessa Bayer ascendida al cast principal formando junto a Nasim Pedrad el dúo femenino principal para esta temporada, apoyadas por Kate McKinnon, que se incorporó a mitad del año pasado y dos nuevos fichajes femeninos de los que poco hemos podido ver en este primer episodio, las cómicas de improvisación  Aidy Bryant y Cecily Strong.

Pero lo de Andy Samberg, lo de Andy Samberg sí que es una marcha más dolorosa. Y no tanto por su valía personal, que también, si no sobre todo porque su ausencia significa dar carpetazo a una de las épocas más gloriosas que ha tenido el programa en sus casi cuarenta años de emisión. Evidentemente me refiero a la influencia de The Lonely Island, grupo que forma junto a  Akiva Schaffer y Jorma Taccone, y a sus Digital Shorts, que significaron una apertura del programa a la audiencia de internet, del meme, del vídeo de YouTube y del boca a boca. Durante un poco más de 100 ediciones, a las que le podéis echar el ojo aquí, los Digital Shorts se convirtieron en una parte esencial de cada programa, al igual que lo son el sketch político introductorio o el mismísimo Weekend Update. Por eso cuesta imaginar un SNL sin la ración semanal de Samberg y compañía, que han dejado un hueco que difícilmente podrá ser llenado.

Pero dejemos la nostalgia y veamos como se ha reestructurado el programa. El primer y significativo cambio llega con el "ascenso" de Jay Pharoah, con el cual al fin podemos ver un imitación de Obama en condiciones, esa que no pudimos disfrutar con el-hombre-para-todo Fred Armisen, que hacía lo que podía pero que, evidentemente, tenía que ser relegado en cuanto alguien con un poco de tablas se ganara la confianza de Lorne. Sobre lo demás, el programa ha empezado con fuerza recogiendo con los brazos abiertos todo el material que se les ha ido acumulando durante el verano. Lochte, la participación de Psy y su Gangnam Style (¡hola YouTube!) y, como no, tras anunciar Bill Hader que algo haría, Clint Eastwood y su bendita silla. Todo ello conducido por un Seth MacFarlane en su salsa tras el éxito de Ted, muy receptivo y participativo.

Así comienza la trigésimo octava temporada de SNL, con Hader, Sudeikis, Armisen y Kenan Thompson como los veteranos que tienen que echarse a las espaldas el programa este año a las órdenes de Seth Meyers. Y a seguir escribiendo historia.

[1] Que tienen que recitar de memoria como la lista de reyes Godos: Dan Aykroyd, John Belushi, Chevy Chase, Jane Curtin, Garrett Morris, Laraine Newman y Gilda Radner.

29 de julio de 2012

The Nerdist Rises

¿Qué diferencia a un nerd de una persona normal? Una persona normal ve Star Wars y la disfruta. Un nerd se sabe La Trilogía de memoria y acude a convenciones con armadura de Storm Trooper personalizada. Una persona normal ve un partido de futbol y se amarga cuando su equipo pierde. Un nerd se para a analizar aspectos tácticos y juega en 3 ligas de Comunio distintas. Una persona normal ve la televisión y pierde tiempo valioso de su vida. Un nerd pierde todavía más tiempo de su vida escribiendo en un blog, recomendando programas que no ve nadie y recopilando información sobre su serie favorita. ¿Ven por donde van los tiros?


Esa es la filosofía Nerdist: no importa lo que te guste, lo importante es cuánto te apasiona y cuánto tiempo de tu vida estás dispuesto a invertir. El cerebro detrás de esta escuela de pensamiento es Chris Hardwick, un cómico y presentador estadounidense que en tan solo cuatro años construyó un pequeño imperio mediático alrededor de sus obsesiones: la comedia, la cultura popular e internet como medio de comunicación principal. Su Nerdist Podcast pasó de ser una simpática charla entre amigos a ser uno de los podcasts más populares (según iTunes), es uno de los principales responsables del auge que vive el formato actualmente y creó una legión de fans dentro y fuera de los Estados Unidos. Hoy en día Nerdist Industries cuenta con una red de podcasts, organiza eventos como Course of the Force[1] y participa activamente en la ComicCon de San Diego[2], tiene su propio programa de televisión (una serie de especiales para BBC America), un libro que explica su filosofía (The Nerdist Way) y este año se convirtió en uno de los canales patrocinados por YouTube con una gran cantidad de producciones propias.

Para iniciarse en el universo Nerdist propongo dos puntos de entrada. Por un lado están los ya nombrados especiales para BBC America, programas que siguiendo el tono cómico y coloquial del podcast, cubren el amplio espectro de intereses nerd con invitados como Craig Ferguson, Matt Smith o Wil Wheaton. Además de los tres episodios ya emitidos, ayer se estrenaron dos nuevos especiales: uno dedicado a juegos y juguetes coleccionables y otro que resume la ComicCon de este año. Mi segunda recomendación es el buque insignia del canal de YouTube: en Chris Hardwick's All Star Celebrity Bowling un equipo de Nerdist se enfrenta a un equipo de invitados especiales en una partida de bowling con fines benéficos. Entre los invitados se encuentran el equipo Mad Men con Jon Hamm y Matt Weiner a la cabeza o el equipo Breaking Bad capitaneado por los mismísimos Bryan Cranston y Aaron Paul.


Con la cultura nerd dominando la industria del entretenimiento, podemos esperar verle mucho más la cara al bueno de Chris Hardwick. Una buena noticia es la adquisición de su canal por parte de Legendary Entertainment, algo que sin duda va a ayudar a ampliar la calidad de sus producciones. Personalmente admiro bastante la ética de trabajo del señor Hardwick, un tipo que se creó su propio hueco en un mercado dominado por peces gordos, siempre haciendo lo que más le gusta y con un contacto cercano con sus seguidores. Cuando la forma de consumir entretenimiento se incline definitivamente hacia internet, y no falta demasiado, Nerdist Industries va a estar lista para ser un referente.

[1] Course of the Force es una carrera de relevos, con temática de Star Wars, que inaugura la Comic Con de San Diego en la que los participantes compran los tramos con fines benéficos. En lugar de llevar una antorcha llevan un sable de luz y los corredores van disfrazados. Puro amor.

[2] Una prueba más de la enorme popularidad de la cultura nerd en los tiempos que corren es la evolución de este evento. La Comic Con de San Diego pasó de ser una convención de artistas de comics a ser el mayor escaparate mediático para los gigantes de la industria del cine, la televisión y los videojuegos.

Hay un Doctor en mi Nerdist

Para no perder la inercia de las entradas de Alex, y porque una entrada de Basura and TV no es una entrada si no se menciona a Doctor Who, he aquí un breve resumen de la intersección de los universos Nerdist y Whovian.

  • Chris Hardwick es fanático de Doctor Who y uno de los principales responsables de la popularidad que goza hoy en día en los Estados Unidos. Sus constantes menciones a la serie le consiguieron su programa en BBC America, que en su primer episodio trajeron al mismísimo Matt Smith.
  • En los archivos del Nerdist Podcast hay un puñado de episodios centrados en Doctor Who y sus derivados. En la Comic Con 2011 grabaron un programa en vivo con Matt Smith y Karen Gillan. El episodio 153 es una entrevista mano a mano al mismísimo David Tennant. Y en la Comic Con 2012 el programa en vivo tuvo como invitado a un John Barrowman desatado.
  • De postre, un adelanto de la próxima temporada de la nueva temporada de All Star Celebrity Bowling: el equipo Nerdist se enfrentará al equipo Doctor Who, compuesto por Matt Smith, Karen Gillan, Arthur Darvill y Steven Fucking Moffat! 
Me despido con un avance de los nuevos programas del Nerdist Channel, entre los que se encuentran un programa de marionetas con Neil Patrick Harris y las grabaciones del podcast Star Talk, presentado por el astrofísico Neil deGrasse Tyson:

23 de julio de 2012

Hay un Doctor en mi serie de televisión (IV)

Por si no lo saben, ¡vergüenza!, en las últimas semanas estamos realizando un extenso repaso a a todas las referencias, apariciones, homenajes y parodias de Doctor Who a lo largo de la historia de la televisión. Empezamos con las series de animacióncontinuamos con el resto de ficción y en la última entrada hicimos un repaso exhaustivo por la historia de los programas de sketches que alguna vez parodiaron el mundo whovian. Para esta última entrada vamos a fijarnos en todas aquellos guiños y proyectos realizados por al misma gente que acabaría luego trabajando para la serie así como un par de parodias locas que hemos podido ver en los últimos años.


Rusell T. Davies fue el responsable de traer de vuelta de Doctor Who y ya dejó constancia de su amor por la serie en Queer As Folk en esta escena en la que se demuestra que, tomar nota chicas, la mejor forma de conquistar el amor es recitando de carrerilla todos los actores protagonistas de Doctor Who.  Y antes de que Steven Moffat metiera a los Daleks en una discusión sobre cojines, o clamara al cielo la vuelta de la serie en la última temporada de Coupling, el ahora máximo responsable de la serie fue el responsable de guionizar en 1999 Doctor Who and the Curse of Fatal Death, un especial de cuatro mini episodios para el teletón benéfico Red Nose Day parodia de la serie y que contó con la ilustre participación de estrellas como Rowan Atkinson o Hugh Grant entre otros, incluida Joanna Lumle, dando la oportunidad de ver por primera vez, y posiblemente última, a una Doctor mujer.

Y es que en esa época baldía que trascurrió desde la cancelación de la serie a finales de los ochenta y su resurrección en 2005 los homenajes y especiales a la serie fueron constantes. En ese contexto se encuentra Doctor Who Night especial de la BBC2 de 1999 en el que Mark Gatiss (guionista y actor de la nueva serie) y David Walliams (Gibbis en The God Complex y mundialmente famoso por Little Britain) protagonizaron tres sketches sobre Doctor Who, In The Pitch of FearThe Web of Caves y The Kidnappers. En este último, además, contaron con la participación de Peter Davison el Quinto Doctor.


Christopher Eccleston no dejó la serie con buen pie, a niveles de no querer saber nada de ella ni de ninguna vuelta para el cincuenta aniversario de la serie, pero si le echó humor al participar en un cameo en The Sarah Silverman Program como el  protagonista de Doctor Lazer Rage, longeva serie ficticia de ciencia ficción que, exactamente, era una parodia de Doctor Who. Pero si de parodias dentro de series ajenas se trata posiblemente nadie ha llegado tan lejos como Community y su Inspector Spacetime. No solo han conseguido hacer del falso programa de televisión un pequeño éxito de internet, si no que las propias estrellas de Doctor Who se confiesan fan de la parodia y hace pocos días, en la Comic Con, los nuevos productores ejecutivos de Community anunciaron a bombo y platillo, en una maniobra para ganarse el amor de los fans de la serie enfurecidos por la marcha de Dan Harmon, que en la cuarta temporada de la serie habrá un episodio localizado completamente en una convención de Inspector Spacetime.


Esto es todo, por ahora, porque la popularidad de Doctor Who lejos de decaer parece estar en la cúspide de su historia, habiendo conquistado por fin el mercado ajeno a Gran Bretraña, sobre todo el estadounidense. Espero que hayan disfrutado de este viaje por una parte de la historia de la serie y como siempre, no duden en comentarnos todo aquellos detalles que piensen que nos hemos dejado durante estos cuatro artículos.